S’affranchissant de certains diktats du marché de l’art contemporain, ces cinq nouveaux artistes venus de tous horizons s’attachent à retranscrire dans leurs tableaux leur inconscient, leurs fantasmes, leurs rêves. Et leurs craintes pour mieux cerner notre époque.

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Jeffrey Cheung

&Agrave; travers ses figures color&eacute;es entrem&ecirc;l&eacute;es ex&eacute;cutant des chor&eacute;graphies joyeusement &eacute;rotiques, Jeffrey Cheung concilie deux univers radicalement &eacute;loign&eacute;s qui, a priori, s&rsquo;excluent l&rsquo;un l&rsquo;autre : d&rsquo;un c&ocirc;t&eacute; la culture LGBT queer, qu&rsquo;il revendique fortement, et de l&rsquo;autre le street art et le monde du skate&nbsp;&ldquo;tr&egrave;s m&acirc;le&rdquo;, ouvertement homophobes et misogynes. N&eacute; &agrave; Oakland, dans la baie de San Francisco en Californie, il continue de vivre et de travailler l&agrave;-bas, m&ecirc;me si ses expositions l&rsquo;emm&egrave;nent cette ann&eacute;e de Los Angeles (&agrave; la New Image Art Gallery) &agrave; New York (Hashimoto Contemporary) en passant par Paris avec une nouvelle galerie atypique, Bim Bam Gallery, qui l&rsquo;a expos&eacute; en f&eacute;vrier dernier et o&ugrave; son travail a &eacute;t&eacute; salu&eacute; notamment par Pedro Winter, fondateur du label Ed&nbsp;Banger. Pour suivre la folle course de Cheung de continent en continent, le plus simple est de se rallier &agrave; son compte Instagram et ses presque 35 000 followers&nbsp;parmi lesquels on trouve, notamment, Charli XCX.

Tout aussi fr&eacute;n&eacute;tiques, ses peintures, souvent en grand format (prints, collages dessins et fresques), portent en elles l&rsquo;&eacute;nergie folle du street art, une libert&eacute; de ton, et des revendications qui ont d&eacute;j&agrave; s&eacute;duit une des l&eacute;gendes du&nbsp;milieu, le graffeur Barry McGee. En janvier 2017, Cheung a parall&egrave;lement lanc&eacute;,avec son boyfriend Gabriel Ramirez, Unity Press &amp; Skateboarding, un collectif&nbsp;de skate queer et une plate-forme d&rsquo;expression pour la minorit&eacute; queer. L&agrave;, il peint des skateboards (plus de 1200 depuis la cr&eacute;ation de Unity!) et fait des s&eacute;ries de prints ou de T-shirts qu&rsquo;il vend au profit de l&rsquo;aide aux QTPOC (Queer people, Trans people, and People of Color). Le reste de son temps libre, il le passe &agrave; jouer dans deux groupes de punk &ndash; Meat Market et Unity &ndash; ou &agrave; revoir les films sensuels de Wong Kar-wai comme&nbsp;Happy Together,&nbsp;dont il est fan.

Peintre, musicien et skateur, Jeffrey Cheung met tous ses talents au service&nbsp;de son activisme, mais avec humour. Extr&ecirc;mement timide, il s&rsquo;exprime avec ses dessins, sa mani&egrave;re &agrave; lui la plus efficace de militer, de faire reconna&icirc;tre les droits LGBT dans le monde de l&rsquo;art comme dans celui du skate, sa communaut&eacute; de c&oelig;ur depuis le lyc&eacute;e, o&ugrave; les liens sont plus directs. Dans toutes ses &oelig;uvres, il met en sc&egrave;ne des personnages &agrave; la sexualit&eacute; d&eacute;brid&eacute;e, avec un trait percu- tant qui rappelle un peu celui du dessinateur Tomi Ungerer dont les affiches revendiquaient la libert&eacute; sexuelle et d&eacute;non&ccedil;aient la guerre du Vietnam dans le New York des ann&eacute;es 60-70. Du &ldquo;Faites l&rsquo;amour pas la guerre&rdquo; des seventies aux &eacute;treintes h&eacute;donistes et contorsionnistes de Jeffrey Cheung qui m&ecirc;lent fesses, mains, grands sourires, poils et peaux de toutes les couleurs, il n&rsquo;y a qu&rsquo;un pas, celui de la lib&eacute;ration.

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Vaughn Spann

Dans le sillage de Nathaniel Mary Quinn, Vaughn Spann, 27 ans, trace son chemin vers les sommets &agrave; une vitesse fulgurante depuis 2018. Pourtantleurs parcours ne peuvent pas &ecirc;tre plus &eacute;loign&eacute;s. D&rsquo;un c&ocirc;t&eacute;, Quinn, qui est n&eacute;&nbsp;dans un des pires quartiers du tristement c&eacute;l&egrave;bre South Side de Chicago et qui a commenc&eacute; doucement &agrave; se faire conna&icirc;tre &agrave; 37 ans. De l&rsquo;autre, Spann, qui a explos&eacute; en deux ans, est pass&eacute; tr&egrave;s vite d&rsquo;expositions collectives pres- tigieuses &agrave; un contrat exclusif pour l&rsquo;Europe et la Chine depuis juillet 2019 avec la c&eacute;l&egrave;bre galerie Almine Rech. Sa premi&egrave;re exposition solo &agrave; New York en janvier a &eacute;t&eacute; sold out au bout d&rsquo;une petite semaine. Bref, Spann a tout du petit prodige de l&rsquo;ann&eacute;e. Son background? Compl&egrave;tement inattendu et plein d&rsquo;anges gardiens. N&eacute; en Floride et &eacute;lev&eacute; dans le New Jersey, Spann, fan des Pokemon et athl&egrave;te accompli, se destine &agrave; des &eacute;tudes en biologie (les sciences le passionnent) quand une rencontre avec Denyse Thomasos, artiste renomm&eacute;e et professeur d&rsquo;art charismatique, le fait changer de choix de parcours universitaire. Il &eacute;tudie les beaux-arts &agrave; plein temps, et elle voit clairement dans cet &eacute;l&egrave;ve un peintre en devenir. Il postule ensuite dans l&rsquo;une des meilleures universit&eacute;s du monde, Yale, pour un master of fine arts, et est accept&eacute; &agrave; sa deuxi&egrave;me tentative, le lendemain de la naissance de son premier enfant. Le voil&agrave; donc en train de tracer son chemin dans un environnement &eacute;litiste d&rsquo;Ivy League o&ugrave; les galeries du monde entier envoient des sbires pour spotter ann&eacute;e apr&egrave;s ann&eacute;e les nouveaux talents bankable. L&agrave;, il sera aid&eacute; par deux importants mentors, les artistes afro-am&eacute;ricains Rashid Johnson et Titus Kaphar, qui lui apprendront &agrave; &eacute;viter les pi&egrave;ges du milieu. Vaughn Spann met, par exemple, un point d&rsquo;honneur &agrave; ne pas s&rsquo;en tenir &agrave; un style particulier. Il explore l&rsquo;abstraction en s&rsquo;attachant aux symboles du drapeau, de l&rsquo;arc-en-ciel, des taches de dalmatiens (un marqueur d&rsquo;une cer- taine classe sociale pour lui) ainsi qu&rsquo;&agrave; la lettre X dont il fait une s&eacute;rie, lettre qui &eacute;voque pour lui la position de son corps contre sa voiture quand, comme bien d&rsquo;autres Afro-am&eacute;ricains, il est arr&ecirc;t&eacute; par la police pour des contr&ocirc;les routiers intempestifs et stressants. En fouillant toujours ses r&ecirc;ves et son&nbsp;subconscient, il s&rsquo;attache aussi &agrave; peindre des toiles figuratives flamboyantes, presque fantastiques avec des personnages &agrave; deux t&ecirc;tes, habill&eacute;s de couleurs&nbsp;vives et entour&eacute;s d&rsquo;animaux, qui &eacute;voluent en bord de mer dans des paysages qui &eacute;voquent sa Floride natale. Mari&eacute;, avec deux enfants en bas &acirc;ge (8 mois et trois ans), son dipl&ocirc;me de Yale en poche, des galeries &agrave; ses pieds et une strat&eacute;gie claire en t&ecirc;te, Vaughn Spann, avec une intelligence et un aplomb &agrave; la hauteur de ses ambitions, m&egrave;ne de main de ma&icirc;tre une partie d&rsquo;&eacute;checs sur un march&eacute; de l&rsquo;art rempli de pi&egrave;ges.

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Tristan Pigott

Un jeune homme qui mange en souriant des tranches de courgettes avec humus en barquette, des plantes grasses en pot flottant avec th&eacute;i&egrave;re et canette de boisson japonaise sur un fond &agrave; motif camouflage aux couleurs &eacute;clatantes, une jolie fille devant un mur rouge p&eacute;tant, avec un portable coinc&eacute; sur l&rsquo;oreille en train de d&eacute;m&ecirc;ler ses &eacute;couteurs Apple, ou encore une femme buvant un smoothie couleur matcha, assise sur les genoux de son compagnon qui tient son Blackberry au-dessus d&rsquo;une poubelle... Les sc&egrave;nes que compose Tristan Pigott se situent en plein dans leur &eacute;poque, mettant en sc&egrave;ne des millennials, ou leurs objets (junk food, iPhones, paquets de chips, yaourts...), le tout l&eacute;g&egrave;rement d&eacute;form&eacute;, coloris&eacute; &agrave; outrance et reconstruit&nbsp;avec des perspectives tronqu&eacute;es comme s&rsquo;ils &eacute;taient vus sous l&rsquo;emprise d&rsquo;une&nbsp;drogue hallucinog&egrave;ne. Ces &oelig;uvres nous mettent &agrave; la crois&eacute;e des chemins&nbsp;entre l&rsquo;hyperr&eacute;alisme, l&rsquo;onirisme et ces posts instagrams qui ont envahi notre&nbsp;vie. Ceux que Tristant Pigott peint, c&rsquo;est nous, des &ecirc;tres habitu&eacute;s aux selfies, aux filtres qui am&eacute;liorent leur physique, une g&eacute;n&eacute;ration qui triche sur Tinder, qui poste des paysages retouch&eacute;s en vacances dans un grand m&eacute;lange o&ugrave; personne ne peut (ne veut?) plus d&eacute;m&ecirc;ler le r&eacute;el (IRL) des artifices. Voir, &ecirc;tre, &ecirc;tre vu ou ne pas &ecirc;tre? En Hamlet moderne, ou peut-&ecirc;tre en saint&nbsp;Georges qui se battrait contre un dragon immat&eacute;riel tel qu&rsquo;il se repr&eacute;sente lui-m&ecirc;me dans&nbsp;Saint George Mocked&nbsp;(2019) (voir ci-contre), Tristan Pigott pose la question de la repr&eacute;sentation artistique dans un monde qui n&rsquo;a plus les pieds ancr&eacute;s dans la r&eacute;alit&eacute;. En tant qu&rsquo;artiste, Pigott tente aussi de se d&eacute;faire de ses cha&icirc;nes, de ses habitudes : en 2019, il a donc pass&eacute; un master en sculpture au Royal College of Art &agrave; Londres, o&ugrave; il vit. Non pas parce qu&rsquo;il aime ce medium particuli&egrave;rement, mais juste pour sortir de sa zone de confort, pour appr&eacute;hender les choses diff&eacute;remment. Il y a un c&ocirc;t&eacute; joueur chez Pigott, un humour fait de&nbsp;nonsense&nbsp;et d&rsquo;une l&eacute;g&egrave;re ironie qu&rsquo;on pourrait&nbsp;qualifier d&rsquo;anglaise. Il a notamment reli&eacute; une de ses derni&egrave;res s&eacute;ries&nbsp;Slippery Gaze&nbsp;&agrave; deux &oelig;uvres abordant la cr&eacute;ation et l&rsquo;irr&eacute;el qui l&rsquo;ont particuli&egrave;rement&nbsp;marqu&eacute; :&nbsp;De la nature des choses,&nbsp;du philosophe Lucr&egrave;ce, et son roman favori Le Ma&icirc;tre et Marguerite,&nbsp;de Mikha&iuml;l Boulgakov.&nbsp;Slippery Gaze&nbsp;&ndash; en fran&ccedil;ais, &ldquo;le regard glissant&rdquo; &ndash; &eacute;voque pour lui cette sorte de fatigue oculaire, ou psychologique, qui intervient quand on passe d&rsquo;un monde &agrave; l&rsquo;autre ou d&rsquo;un &eacute;cran &agrave; l&rsquo;autre, dans un d&eacute;lire du &ldquo;toujours plus&rdquo; qui devient de plus en plus perturbant et acrobatique, tout en prenant le temps, en tant qu&rsquo;artiste, de revenir &agrave; l&rsquo;essentiel, le trait et la couleur. Vertigineux.

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Justin Yoon

Un superman bleu bodybuild&eacute; portant moustache, slip et chaussettes&nbsp;blanches prend des poses lascives adoss&eacute; sur une d&eacute;capotable en compagnie d&rsquo;une starlette aux cheveux noirs laqu&eacute;s &agrave; la Betty Page, sur fond de coucher&nbsp;de soleil mauve. &Agrave; la fois na&iuml;ves et sexualis&eacute;es, les peintures de Justin Yoon affichent un kitsch tr&egrave;s queer, assum&eacute; jusqu&rsquo;au bout de la guimauve. Elles &eacute;voquent la Californie, mais une Californie fantasm&eacute;e de chromo eighties. Et pour cause : si Justin Yoon est n&eacute; &agrave; Los Angeles, il a grandi &agrave; Bundang, une ville high-tech cossue pr&egrave;s de S&eacute;oul, en Cor&eacute;e du Sud, qu&rsquo;il a quitt&eacute;e pour revenir aux &Eacute;tats-Unis &eacute;tudier &agrave; la Parsons New School for Design de New&nbsp;York, dont il sort dipl&ocirc;m&eacute; en illustration en 2014. Aujourd&rsquo;hui, c&rsquo;est &agrave; Brooklyn&nbsp;qu&rsquo;il travaille, r&eacute;-imaginant sans cesse des sc&egrave;nes&nbsp;&ldquo;d&rsquo;un autre monde de m&eacute;lancolie romantique, r&ecirc;veur et color&eacute;&rdquo;&nbsp;comme l&rsquo;explique une note sur son site internet. Avec des couleurs pastel de bonbons chimiques, il exprime sa&nbsp;passion pour les couchers ou les levers de soleil de cartes postales et revisite&nbsp;sa m&eacute;moire d&rsquo;enfance avec des formes chamallows, tr&egrave;s nuageuses. Enfant, il aimait les mangas, la bouffe de fast-food et les balades en voiture avec son p&egrave;re sur un air de jazz. Mais ce qu&rsquo;il aimait par-dessus tout ressort dans un petit manifeste publi&eacute; en ligne dans le magazine am&eacute;ricain des droits LGBT&nbsp;The Advocate&nbsp;:&nbsp;&ldquo;En grandissant, inspir&eacute; par la culture americana, j&rsquo;ai toujours &eacute;t&eacute; fascin&eacute; par les rock stars des ann&eacute;es 70 ou les stars de cin&eacute;ma des ann&eacute;es 50, avec lesquelles j&rsquo;ai d&eacute;velopp&eacute; cette intense sensation de relation en m&ecirc;me temps qu&rsquo;une idol&acirc;trie presque divine, qui m&rsquo;a affect&eacute;&nbsp;de mani&egrave;re multiple. Cette exp&eacute;rience &eacute;motionnelle m&rsquo;a fait r&eacute;aliser que la nostalgie fonctionne de la m&ecirc;me fa&ccedil;on que la m&eacute;moire.&rdquo;&nbsp;Toujours dans le registre des idoles, les personnages de Yoon comme sa palette bleu et rose &eacute;voquent fortement le film culte d&rsquo;avant-garde&nbsp;Pink Narcissus&nbsp;(1971), r&eacute;alis&eacute; par le cin&eacute;aste et photographe James Bidgood, o&ugrave; des Adonis partiellement d&eacute;nud&eacute;s ou costum&eacute;s posent dans des d&eacute;cors bricol&eacute;s de tentures moir&eacute;es. Ce fantasme gay en Technicolor&reg; envoie aussi sans doute &agrave; la difficult&eacute; d&rsquo;&ecirc;tre d&rsquo;un Cor&eacute;en queer, une difficult&eacute; qui le fait se projeter derri&egrave;re ce personnage de cartoon aussi bleu et nu que le dieu post-humain Doctor Manhattan des comics&nbsp;Watchmen. Toujours dans&nbsp;The Advocate,&nbsp;Justin Yoon pr&eacute;cise cette identification :&nbsp;&ldquo;Les figures masculines de mes peintures sont toutes un seul et m&ecirc;me personnage que j&rsquo;ai cr&eacute;&eacute; et que j&rsquo;ai nomm&eacute; Blue Dream. Lui et les autres personnages, dont Marge et Five Poundz (le chien), sont tous d&rsquo;une certaine mani&egrave;re des versions imaginaires de moi-m&ecirc;me et en m&ecirc;me temps des Queer Asians Idols imagin&eacute;es et romanc&eacute;es, que les gens peuvent admirer de loin et auxquelles ils peuvent s&rsquo;identifier.&rdquo;&nbsp;Sa page Instagram confirme cette incroyable revisitation de lui, alternant des images de ses tableaux et des dizaines de selfies o&ugrave; il pose dans des vestiaires de salles de gym, en sous-v&ecirc;tements et huil&eacute;, l&rsquo;air d&eacute;bonnaire et relax plut&ocirc;t que sexy. Comme un double IRL de son Blue Dream. Plus qu&rsquo;un fantasme, il s&rsquo;agit d&rsquo;une extraordinaire coh&eacute;rence entre sa vie et son &oelig;uvre, o&ugrave; il force le r&eacute;el &agrave; rejoindre l&rsquo;imaginaire le plus d&eacute;complex&eacute;.

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Graham Little

Ses gouaches sur papier si d&eacute;licates se dressent paradoxalement contre &agrave; peu pr&egrave;s tout ce qu&rsquo;il est de bon ton de cr&eacute;er dans le monde de l&rsquo;art contempo- rain aujourd&rsquo;hui, peupl&eacute; d&rsquo;&oelig;uvres souvent ironiques, voire cruelles, politis&eacute;es,&nbsp;trash, sexualis&eacute;es ou conceptuelles &agrave; l&rsquo;extr&ecirc;me. Graham Little, lui, mise tout sur la douceur : douceur de ses sujets, souvent des jeunes filles en fleurs r&ecirc;veuses ou absentes au monde, qui semblent &eacute;chapp&eacute;es des seventies, et douceur de la repr&eacute;sentation, avec un travail maniaque de la lumi&egrave;re et du trait. Le peintre, n&eacute; en &Eacute;cosse en 1972 mais vivant &agrave; Londres, affiche son romantisme &agrave; contretemps comme un &eacute;tendard et un go&ucirc;t anticonformiste pour la perfection immacul&eacute;e. Il travaille des mois sur une image, soignant au millim&egrave;tre ses compositions, son atmosph&egrave;re, le grain de peau, les paysages d&rsquo;arri&egrave;re-plan ou les reflets sur le moindre objet pr&eacute;sent dans le cadre. Il&nbsp;s&rsquo;inspire d&rsquo;archives, de sc&egrave;nes r&eacute;tro trouv&eacute;es dans des magazines de mode des&nbsp;ann&eacute;es 70-80, ces m&ecirc;mes revues qui le faisait r&ecirc;ver enfant, et les retravaille pour raconter une histoire, un moment suspendu avec ce l&eacute;ger grain cher &agrave; la photographe star de l&rsquo;&eacute;poque Sarah Moon ou la pr&eacute;cision calme des premiers tableaux de David Hockney. Bien s&ucirc;r, Graham Little utilise la nostalgie, il la r&eacute;cup&egrave;re, la sublime pour la recr&eacute;er en fantasme, celui d&rsquo;un pass&eacute; artificiel qui n&rsquo;a sans doute jamais exist&eacute;. Son romantisme plus-que-parfait fait aussi &eacute;cho &agrave; celui des peintres pr&eacute;rapha&eacute;lites anglais sans cesse en qu&ecirc;te d&rsquo;une&nbsp;beaut&eacute; si parfaite qu&rsquo;elle en devenait irr&eacute;elle. En surface, Little nous montre des moments intimes, un quotidien sans faille &ndash; une m&egrave;re qui allaite son b&eacute;b&eacute; dans une immense salle de bains blanche et bleue, (Untitled, Mother and Baby,&nbsp;2019). Dans son introduction de la monographie de Graham Little, Laura Smith, curatrice &agrave; la Whitechapel Gallery de Londres, l&egrave;ve un pan du voile:&nbsp;&ldquo;L&rsquo;immobilit&eacute; de ces images n&rsquo;est toutefois pas sereine; elle est plut&ocirc;t&nbsp;complexe, charg&eacute;e, bard&eacute;e de possibilit&eacute;s. Les personnages de Little poss&egrave;dent&nbsp;un air introspectif qui r&eacute;siste m&ecirc;me au regard le plus p&eacute;n&eacute;trant.&rdquo;&nbsp;Et si on commence &agrave; regarder les petits d&eacute;tails de ces sc&egrave;nes, des &eacute;nigmes &eacute;tranges &agrave; la David Lynch commencent &agrave; appara&icirc;tre. Dans&nbsp;Untitled, Wood&nbsp;(2019), trois jeunes filles en sweaters pique-niquent par une belle journ&eacute;e d&rsquo;automne, sans jamais croiser leurs regards : l&rsquo;une tient une fl&ucirc;te, l&rsquo;autre un panier et la derni&egrave;re... tient un cube gris acier dans sa main telle la femme &agrave; la b&ucirc;che de&nbsp;Twin Peaks.&nbsp;Plus d&eacute;lib&eacute;r&eacute;ment sinistre, Little montre dans&nbsp;Untitled, Fox&nbsp;(2017) un renard en d&eacute;composition, la gueule grotesquement ouverte, pos&eacute; sur une table blanche orn&eacute;e de symboles g&eacute;om&eacute;triques qui &eacute;voque le renard zombie dans&nbsp;Antichrist, de Lars von Trier, d&eacute;clamant de fa&ccedil;on surr&eacute;aliste&nbsp;&ldquo;le chaos&nbsp;r&egrave;gne&rdquo;. Un chaos ici totalement ma&icirc;tris&eacute;, isol&eacute;. Nous for&ccedil;ant &agrave; l&rsquo;attention, voire&nbsp;&agrave; l&rsquo;introspection, Graham Little tente de nous faire passer de l&rsquo;autre c&ocirc;t&eacute; du&nbsp;miroir dans un monde peupl&eacute; d&rsquo;Alices trop parfaites et de myst&egrave;res inqui&eacute;tants.

5 nouveaux artistes qui s'affranchissent des diktats du marché de l’art contemporain

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