Perpétuel défricheur de mouvements et figures nouvelles du monde de l’art, Nicolas Bourriaud, directeur artistique de La Panacée – centre d’art ouvert en 2013 au cœur de Montpellier – a rassemblé  un choix d’artistes autour de la thématique de révolution moléculaire.

L&rsquo;OFFICIEL ART&nbsp;: &ldquo;Crash Test&rdquo; rassemble &ndash; autour du th&egrave;me de l&rsquo;Homme dans la biosph&egrave;re &ndash; 25 artistes &eacute;mergents, &agrave; peu pr&egrave;s tous n&eacute;s dans les ann&eacute;es 1980. Pourquoi et comment avez-vous con&ccedil;u cette exposition, inscrite dans le cycle inaugur&eacute; en 2014 lors de la Biennale de Taipei&nbsp;?

NICOLAS BOURRIAUD&nbsp;: La premi&egrave;re exposition, &ldquo;The Great Acceleration&rdquo;, portait sur l&rsquo;anthropoc&egrave;ne, elle est issue de l&rsquo;&eacute;v&eacute;nement scientifique lui-m&ecirc;me, &agrave; un moment o&ugrave; il n&rsquo;&eacute;tait pas encore tr&egrave;s visible chez les artistes. &ldquo;Crash Test&rdquo; s&rsquo;inscrit donc dans une continuit&eacute; de travaux, mais sa diff&eacute;rence avec la Biennale de Taipei, tr&egrave;s g&eacute;n&eacute;raliste et transg&eacute;n&eacute;rationnelle, est que celle-ci entend examiner plus pr&eacute;cis&eacute;ment le regard de cette g&eacute;n&eacute;ration d&rsquo;artistes qui arrive &agrave; maturit&eacute; aujourd&rsquo;hui, et qui se trouve &ecirc;tre la premi&egrave;re form&eacute;e par cette prise de conscience globale que constitue l&rsquo;anthropoc&egrave;ne. Je tente donc de sp&eacute;cifier la nature de l&rsquo;influence de cet &eacute;v&eacute;nement sur les pratiques artistiques. Ce qui, &agrave; mon sens, appara&icirc;t tr&egrave;s clairement dans cette exposition est ce que l&rsquo;on pourrait nommer le &ldquo;regard mol&eacute;culaire&rdquo;&nbsp;: le regard de ces artistes se tourne vers l&rsquo;aspect mol&eacute;culaire, physico-chimique de la r&eacute;alit&eacute; comme &eacute;tant le principal champ d&rsquo;investigation de cette nouvelle g&eacute;n&eacute;ration, de la m&ecirc;me mani&egrave;re que les artistes des ann&eacute;es 1960 &eacute;taient tourn&eacute;s vers la publicit&eacute;, la consommation de masse.

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Les approches, les pratiques et les modes op&eacute;ratoires&nbsp;des artistes r&eacute;unis sont extr&ecirc;mement diff&eacute;rents&nbsp;: &agrave; quelles formes ont-ils recouru pour r&eacute;pondre &agrave; la probl&eacute;matique&nbsp;?

Plusieurs motifs apparaissent dans cette exposition. L&rsquo;un d&rsquo;eux me para&icirc;t particuli&egrave;rement pr&eacute;gnant, celui d&rsquo;une forme-circuit tr&egrave;s organique, que l&rsquo;on retrouve &agrave; la fois chez Daiga Grantina, Alice Channer, Johannes B&uuml;tttner ou encore Dora Budor&nbsp;: sorte de cha&icirc;ne organique qui serait un peu la forme dominante de cette exposition &ndash; quelque chose d&rsquo;assez &ldquo;v&eacute;g&eacute;to&iuml;de&rdquo;. Alors que la matrice visuelle du pop-art &eacute;tait la frontalit&eacute; totale des grands panneaux de publicit&eacute;&nbsp;; la matrice visuelle de notre temps serait donc, &agrave; mes yeux, ces organismes v&eacute;g&eacute;taux qui ressemblent beaucoup aux circuits int&eacute;gr&eacute;s. Une forme que j&rsquo;appelle la &ldquo;forme-trajet&rdquo;&nbsp;: qui n&rsquo;est pas du tout frontale, mais rhizomatique.&nbsp;

Virginia Lee Montgomery 2.jpg

Cette exposition dresse ainsi un panorama des  artistes qui se sont empar&eacute;s de cette th&eacute;matique et ont mis au point un r&eacute;pertoire de formes.

L&rsquo;exposition explore les familles de formes, et la matrice visuelle &agrave; laquelle s&rsquo;attachent les artistes aujourd&rsquo;hui. Cela est, bien entendu, inconscient, car les artistes ne se sont pas concert&eacute;s pour produire, mais ce qui est passionnant est de voir comment, &agrave; l&rsquo;image d&rsquo;un grand mouvement d&rsquo;histoire de l&rsquo;art, on voit appara&icirc;tre ces matrices assez identifiables en tant que telles.

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Comment situeriez-vous le c&oelig;ur battant de l&rsquo;exposition&nbsp;?

Les artistes qui constituent le noyau de l&rsquo;exposition sont sans doute Alysa Baremboym, Alice Channer et Pamela Rosenkranz&nbsp;: j&rsquo;ai tent&eacute; d&rsquo;identifier le tronc commun entre leurs trois &oelig;uvres, qui me paraissaient similaires sans pour autant savoir comment le formuler. Tout le travail du commissaire d&rsquo;exposition se concentre l&agrave;, c&rsquo;est-&agrave;-dire essayer de distinguer, qualifier, nommer un mode de pens&eacute;e visuelle &eacute;mergent qui n&rsquo;est pas encore rep&eacute;r&eacute; en tant que tel. L&rsquo;exposition tente de rendre compte de ces formes &eacute;mergentes. 

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Comment envisagez-vous l&rsquo;&ldquo;apr&egrave;s&rdquo; de cet &eacute;tat des lieux&nbsp;?

La suite imm&eacute;diate de ce cycle sera une r&eacute;sidence au Mexique, dans la Casa Wabi &agrave; Puerto Escondido, dans l&rsquo;Ouest du pays, qui durant deux mois va rassembler la moiti&eacute; des artistes de &ldquo;Crash Test&rdquo; pour donner lieu &agrave; autre chose que je ne sais pas encore. C&rsquo;est un &ldquo;work in progress&rdquo;... Il serait tout &agrave; fait envisageable d&rsquo;organiser un deuxi&egrave;me volet d&rsquo;expositions ailleurs. Le cycle n&rsquo;est pas ferm&eacute;, il faudrait encore approfondir certains aspects, certaines probl&eacute;matiques abord&eacute;es par l&rsquo;exposition. Chacun et chacune est plut&ocirc;t dans une perspective personnelle, pour autant, il y aura des &eacute;changes entre eux, mais sans doute dans l&rsquo;id&eacute;e de comparer leur propre pratique. Peut-&ecirc;tre y aura-t-il des projets en commun, on ne sait pas encore.&nbsp;

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Dans ces &eacute;changes avec les artistes, &ecirc;tes-vous un chef d&rsquo;orchestre, un guide&nbsp;? 

Je communique avec eux &agrave; un seul niveau&nbsp;: th&eacute;orique. On peut discuter, &eacute;changer des id&eacute;es, mais n&rsquo;&eacute;tant pas artiste, je dirais que c&rsquo;est plut&ocirc;t eux qui m&rsquo;apprennent des choses.&nbsp;

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&ldquo;Crash Test&rdquo; 
&nbsp;jusqu&rsquo;au 6 mai &agrave; La Panac&eacute;e-MoCo 
14, rue de l&rsquo;Ecole de Pharmacie, Montpellier 
<a href="http://lapanacee.org">lapanacee.org</a>

AGNIESZKA KURANT, “A.A.I 1-6”, 2014, termitières faites de sable coloré, d'or, de paillettes et de cristaux ; 64,8 x 40,6 x 33 cm (“A.A.I 1” (grand bleu), “A.A.I 2” (petit rouge), “A.A.I 3” (grand noir), “A.A.I 4” (grand bleu), “A.A.I 5” (petit vert), “A.A.I 6” (noir moyen)). Collaboration avec l'entomologiste, Dr. Paul Bardunias, SUNY-ESF avec l'Université de Floride et Dr. Leah Kelly, Université Rockefeller. 

ALICE CHANNER, “Burial”, 2016, bronze aluminium moulé, béton moulé, acier Corten moulé, billes de PEHD ; dimensions variables. Prêt de l’artiste et de la Galerie Konrad Fischer, Allemagne.

ALISA BAREMBOYM, “Adaptic Systems”, 2013, acier crénelé, pigments d’encre permanente sur soie, céramique, élastique plat, vinyle teinté, tamis à siphon, aimants et quincaillerie ; 120 x 76 x 41 cm.

AUDE PARISET, “Production en cours” (détail), vers et plastique.

BIANCA BONDI, “Mer”, 2017, tubes en verre, glycérine, sel, techniques mixtes. 

BIANCA BONDI, “Smash and Grab”, 2016. 

CAROLINE CORBASSON, “Poussière”, 2017, installation vidéo, poussières du désert d’Atacama au Chili, observées avec un microscope électronique du Musée national d’Histoire naturelle.

DORA BUDOR, “Une femme passant dans la rue a dit, “un décongestionnant, un antihistaminique, un antitussif, un analgésique.”, 2016, verre trempé, acier, mousse de polystyrène, résine aqua, pierres, terre, sable, résine époxy, polymère acrylique avec suspension pigmentaire, réplique de “Instruments pour opérer sur les femmes mutantes” de “Dead Ringers” (1988), fils médicaux de suture chirurgicale sur la main gauche de l'artiste ; 166 x 132 x 51 cm. 

ESTRID LUTZ / EMILE MOLD, “An Urban Murder”, 2017, résine traitée aux UV, feuille adhésive, impression sur papier photographique, aluminium, nid d'abeilles, résine époxy, fibre de verre ; 180 x 120 x 3 cm. Collection privée.

IVANA BASIC, “Il y a mille ans 10 secondes de souffle étaient 40 grammes de poussière # 1”, “# 2”, 2017, acier inoxydable, force, albâtre rose, temps, soie, amortissement, poussière, actionneurs linéaires électromagnétiques, microcontrôleur. 

JULIETTE BONNEVIOT, “Minimal Jeune Fille”, 2013, déchets plastiques de Juliette, résine bio, flacon en verre, tissu microfibre, feuille plastique ; 125 x 100 x 30 cm.

MARLIE MUL, “Puddle (Faint Green)”, 2014, résine, sable ; 4 x 104 x 67 cm. Prêt de l’artiste et de Croy Nielsen, Vienne.

MARLIE MUL, “Puddle (String)”, 2014, sable, pierres, résine, cordon, cigarette ; 130 x 100 cm. Prêt de l’artiste et de Croy Nielsen, Vienne.

MARLIE MUL, “Puddle (Black Market)”, 2013. Prêt de Croy Nielsen, Berlin.

PAMELA ROSENKRANZ, “Sexual Power (Viagra painting 9)” (détail), 2014. 210 x 150 cm. Prêt de l’artiste.

PHILLIP ZACH, “Attention liquid”, 2013.

PHILLIP ZACH, “Seeing red” (détail).

VIRGINIA LEE MONTGOMERY, “Deep See”, 2017, HD video, 01:57 min. Prêt de l’artiste.

Révolution moléculaire

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