L'œuvre féministe de Miriam Schapiro trouve une nouvelle vie en 2022

À la fin des années 1960, le mouvement de libération des femmes gagnait du terrain aux États-Unis, donnant naissance au mouvement pour la santé des femmes à la fin de la décennie. Au moment où les activistes exhortaient les femmes à prendre le contrôle de leur santé reproductive - en commençant souvent par des miroirs à main, des lampes de poche et des spéculums - l'art féminin de l'époque se concentrait également sur le système reproducteur féminin.

Plusieurs artistes qui allaient définir le mouvement artistique féminin dans les années 1970 expérimentaient déjà l'iconographie vaginale au milieu des années 1960. Les capots de voiture peints en vulvaire et les céramiques anatomiques de Judy Chicago s'approprient l'idiome minimaliste. La porcelaine labiale, la terre cuite et les sculptures en céramique peinte et émaillée d'Hannah Wilke forcent le spectateur à se confronter à l'anatomie féminine. Les dessins, sculptures et œuvres de Xerox démontrent son intérêt précoce pour le genre et la sexualité, thèmes qu'elle exploré dans des performances expérimentales. À la fois, Miriam Schapiro a abordé ce symbolisme radical à travers une technologie tout aussi radicale, utilisant les premiers ordinateurs pour créer une série de peintures entre 1967 et 1971. Schapiro réfléchi sur son premier engagement avec cette imagerie: "Pour une fois dans l'histoire de l'art, ce n'était pas le pénis qui était loué, pas le symbole phallique omniprésent, c'était celui d'une femme hymne à son corps. Enfin, on pourrait acclamer ce composant de l'anatomie féminine."

Schapiro est largement reconnue comme un chef de file du mouvement artistique féminin. Avant de s'engager dans des idées féministes, Schapiro s'est formée à l'Université de l'Iowa, où elle a rencontré son mari, le peintre Paul Brach. Les artistes ont déménagé à New York en 1952 et ont participé à la scène artistique en plein essor du centre-ville, où Schapiro s'est imposée comme une peintre sérieuse, malgré les obstacles à la participation des femmes à l'art. Intégrant les thèmes de la féminité dans ses abstractions sensuelles, Schapiro expose régulièrement dans des lieux prestigieux, notamment la galerie Tanager, le musée d'art moderne et la galerie André Emmerich, où, en 1958, elle est la première femme à avoir une exposition personnelle. Schapiro était parfaitement consciente que malgré son succès relatif, elle a toujours été considérée comme la femme d'un artiste et une "femme artiste", une réalité qui a changé le cours de sa carrière lorsqu'elle a déménagé en Californie en 1967 afin que Brach puisse occuper le poste de présidente de la faculté d'art nouvellement formée à l'Université de Californie à San Diego.

Bien qu'on ne lui ait pas proposé d'emploi au départ, Brach a convaincu l'université de nommer Schapiro comme maître de conférences. Dans le département à prédominance masculine, Schapiro n'avait pas de collègues avec qui partager son intérêt grandissant pour le mouvement des femmes. En conséquence, Schapiro se retire dans son atelier jusqu'à ce qu'elle découvre des collaborateurs d'un genre tout à fait nouveau : la communauté scientifique. Exposée non seulement au formalisme cool de la côte ouest des années 60, mais aussi aux technologies de pointe du moment, Schapiro a expérimenté le style et la technique. Sur et en dehors du campus de l'UC San Diego, elle s'est entretenue avec des ingénieurs à la pointe de l'informatique dans les domaines de la physique appliquée, de l'énergie atomique et de l'art, tandis que le mouvement des femmes gagnait du terrain et que les féministes louaient les possibilités des technologies libératrices.

Schapiro, quant à elle, en venait à embrasser les libertés offertes par les nouvelles technologies. À partir de 1967, l'artiste a utilisé des ordinateurs équipés de logiciels personnalisés pour développer un groupe d'abstractions exubérantes peintes dans un spectre de roses coucher de soleil, de jaunes désertiques et de métaux océaniques. Elle a eu plusieurs collaborateurs, dont Jef Raskin, qui est largement reconnu comme le visionnaire derrière l'ordinateur Macintosh d'Apple ; Jack Mance, étudiant en art ; et David Nalibof, un physicien qui travaillait au General Atomic à La Jolla. Bien que ces hommes n'aient peut-être pas pleinement compris les idées sous-jacentes au travail de Schapiro - et que l'artiste ait choisi de ne pas discuter avec eux du véritable sens de son travail -, elle est restée attachée à son symbolisme féminin. Bien que sa méthode exacte ait varié au fil du temps, Schapiro a toujours commencé par une simple forme dessinée à la main liée à l'iconographie vaginale. Le dessin serait ensuite traduit en nombres représentant des points sur une grille qu'un logiciel informatique personnalisé ferait tourner dans l'espace, imprimant 50 vues du dessin original de l'artiste. Ces nouvelles images représentaient des versions radicalement modifiées de la forme originale, qui devenaient souvent méconnaissables en raison d'un raccourcissement extrême ou d'une rotation drastique. Dans certains cas, Schapiro a manipulé les dessins en les retournant, en les dupliquant et en les combinant pour créer de nouvelles configurations plus complexes. Une fois qu'elle a choisi sa forme, Schapiro a planifié la composition, puis a utilisé un projecteur opaque pour agrandir l'image sur sa toile, a tracé la forme avec un crayon, a collé les contours et a peint à la bombe. Finalement, avec enthousiasme, elle retira le ruban adhésif.

Même en suivant cette formule de base, le travail de Schapiro présente une variété apparemment infinie de techniques et de choix de couleurs. Dans "Big Ox", Schapiro a noté ses "roses pâles pour décrire le passage sensuel d'où la vie a émergé, et un orange brillant pour décrire la fierté et l'affirmation d'un corps féminin". Dans une pièce comme "Keyhole", Schapiro rend sa forme, un jeu sur le trope nu allongé, dans une tridimensionnalité époustouflante. La subtile gradation de la forme crée l'illusion d'un objet dans l'espace, tandis que le fond chiné bleu-blanc devient un ciel. "Western Garden", en revanche, devient une méditation sur sa création même. Les fines couches de peinture en aérosol verte, jaune et dorée laissent apparaître les traits de crayon discrets de l'artiste, donnant l'impression que l'image prend vie sous nos yeux. Si la figure de "Keyhole" représente un corps assuré, mammouth et libidinal, les trois formes vaporeuses de "Western Garden" semblent en devenir.